Matisse y la representación del espacio

Cuando hablamos del espacio nos volvemos muy cultos. Pensamos en la perspectiva cónica  en los puntos de fuga, en sombras, en luces, etc. A través de la pintura se puede recrear el espacio. Pero lo mas importante no es copiar, si no crear. Y en esto Matisse sabe mucho. El autor supo crear multitudes de espacios distintos de manera accesible a la gente sin un solo punto de fuga. Le bastaban 3 elementos para ello:

1. Delimitar lo que es suelo de lo que es pared, o cielo (elementos espaciales contrastados)
2. Figuras y sus relaciones principalmente. Sin figuras, el espacio es muerto y carece de profundidad artística
3. El uso del color. Para Matisse el color es su herramienta de transmisión de ideas. Los espacios que Matisse propone son esencialmente monocromos. Juega con un color únicamente y sus matices (es decir, que si escoge el rojo, lo bordea en el circulo cromático: se va hacia el naranja o hacia un rosa, pero no pinta el suelo de rojo y la pared de azul)

El trabajo que teníamos ante nosotros parecía muy sencillo pero no tenia nada de ello. Captar la esencialidad de lo que te rodea es increíblemente difícil. ¿Por qué? Bueno, pues por que nos centramos en detalles arbitrarios o que no "aportan nada". De esta manera, por ejemplo yo, te pones a representar lo que tienes ante ti y empiezas a captar la textura o la sombra propia del objeto sin prestar atención a su forma o que relación tiene con otros objetos de la escena. Cuando quieres darte cuenta cada objeto parece no tener relación con lo demás. Un desastre

Otra de las dificultades que plantea la representación del espacio es el problema del marco. Nuestros ojos son la entrada a muchisma información. Es como un caudal incontrolable de información masificada. Por eso cuando representamos lo que vemos no lo ponemos un limite claro. Sin ese limite no podemos obtener las relaciones necesarias entre objetos para crear el espacio. Aquí entra en juego la herramienta mas tonta y sencilla que (creo) vamos a tener en esta asignatura: una ventanita de cartón  Con la ventanita captamos el espacio. Es como si hiciéramos una foto que no termina de plasmar en la película. Es una foto viva (mas o menos).

Pero la ventana de cartón es un útil necesario tanto como lo es la actitud del creador valiente. Para crear con valentía y entrega hay que estar dispuesto a fracasar. Por ello, tantear, probar, alimentar a la obra con los frutos del azar y la suerte son cosas importantisimas de dominar. No se puede abordar un problema espacial  sin realizar muchos tanteos

Inicialmente trabajos sobre el cuaderno. No buscábamos mas que la comodidad de la primera silla que veíamos. Tras unos apuntes a lapiz en el cuaderno pasamos al caballete

El Viernes, se modificó ligeramente el trabajo (el método sobre todo) introduciendo el uso del papel transparente (papel croquis, por ejemplo). Mediante esto se pretendia tantear el espacio, en base a los pequeños apuntes tomados y que estos al transparentar funcionasen como una base que corregir y perfeccionar

Tras unos apuntes y tanteos pasamos al caballete. Los resultados según se explicó fueron mejores que los del jueves. Parece que tantear sigue siendo la mejor forma de abordar la mayor parte de los problemas que van surgiendo.

Este es el resultado del viernes

David López Estrada

Dibujo, análisis e ideación

1º de Fundamentos de arquitectura (Grupo A)

Semana 8 - Extrapolaciones

Cuando se propuso el ejercicio a través de la web lo primero que intenté fue comprender que se pretendía ejercitar dentro de lo que podemos definir como "las aptitudes del creador". Inicialmente, propuse una composición con dibujo, pero no esta no me gustaba. Luego tuve una pequeña crisis ... ¿que demonios es extrapolar un dibujo? Si nos ceñimos a lo que significa extrapolar la Real Academia nos da dos definiciones, una aplicada al campo de las matemáticas y otra, generalizada, que dice:

Extrapolar
1. tr. Aplicar conclusiones obtenidas en un campo a otro

Perplejo me hallaba. Despues de divagar, tomé una decisión (la vida adulta es un rollo, hay mucha de estas)
y me centré exclusivamente en una idea: prolongar lineas, rellenar el espacio de color y colocar las figuras. Seguramente estará mal hecho (me habré pasado de listo, por ejemplo) pero la experiencia es, al menos, enriquecedora: no todo el mundo puede presumir de sufrir pequeñas crisis con ejercicios tan claros y coherentes.

Para aplicar la idea utilicé Photoshop en los dos trabajos. En vez de ceñirme a la propuesta (como debería ser), me he ido por la tangente en cuanto a que en el primer dibujo la mujer no queda sentada, sino de pié; he dispuesto una segunda figura tras la primera para crear un espacio un tanto "casa de señoritas" de manera azarosa.



La segunda propuesta, es puramente un estudio de anatomía femenina. Al igual que en el anterior he utilizado Photoshop y me he centrado en las relaciones entre figuras para crear un espacio mas o menos coherente.

David López Estrada

Dibujo, análisis e ideación

1º de Fundamentos de arquitectura (Grupo A)

De la representación a la abstracción. Matisse, pintor de transición.

Teniendo en mente el objetivo de convertirnos en creadores, y en nuestro caso particular de formas arquitectónicas presumiblemente habitables, es imprescindible alcanzar un entendimiento (ya no el dominio, que va a ser dificil con el poco tiempo que tenemos) básico de lo que suponia el cubismo. El cubismo comprende un periodo en el que las cosas van a cambiar, sobre todo se van a romper. La figuración tradicional muere con el cubismo para dar paso al caos a una nueva conceptualización (las cosas son vistas como desde otros puntos de vista, que no otros ángulos). Todo es abstracto e incompresible, pero esto es así porque la creación implica necesariamente un paso por un paraje de lo desconocido. Es tan obvio que parece que nadie es consciente de esto. Crear implica abstracción de la forma, liberar las ataduras de la figuración impuesta desde pequeños y estar dispuesto a concebir nuevas representaciones.

Este proceso de aprendizaje no es sencillo. Por uno mismo llevaria muchisimo tiempo, asi que recurriremos al trabajo de grandes autores que ya sufrieron esta evolución. Estamos de suerte, porque en la escuela han seleccionado un repertorio de genios del postimpresionismo que influirian muy notablemente en el cubismo. Pero el más interesante para nuestro aprendizaje es Matisse.

Matisse representa la transición entre épocas, es un autor que bebió de 4 grandes del impresionismo y asentó las ideas del cubismo. Estos grandes autores son Cezanne, Seurat, Van Gogh y Gaugin

Matisse va a suponer, para nosotros que estamos aprendiendo, un paso necesario, una puerta que deberemos cruzar, un montaña que escalaremos, para, entonces, poder entener mejor el cubismo. No tendria mucho sentido llegar al cubismo sin entender que o quienes lo originaron, por tanto se utiliza la obra de un autor de transición como Matisse para alcanzar (con mayor o menor exito) el entendimiento pleno de lo que supone el cubismo

Durante las clases del jueves y el viernes las actividades giraron en torno a Matisse. Primero, una breve clase expositiva del profesor Pedro Burgaleta introducia (jueves) al autor en un contexto cultural, analizaba la evolución de su obra como creador (una primera etapa postimpresionista, un paso por la ruptura del tratamiento del color, la concepción de nuevo tipo de espacio, ...), y asentaba los principios elementales con los cuales vamos a trabajar esta semana y la que viene: uso del color vivo ,y el contraste entre fondo y figura

Tras las exposición del jueves se trabajo frente a un compañero y con el cuaderno de dibujo en mano. Se pretendía tantear una figura y un fondo de manera simplificada.

 Tras el tanteo en el cuaderno se llevo la idea a al soporte final. Aún no domino la técnica del acrílico y además no debo de tener mucha sensibilidad cromática por que los resultados, personalmente, dejan mucho que desear. Esperaba hacer algo digno pero al final solo acabo pintando una superficie como si de una puerta se tratase

 La clase del viernes tuvo una parte expositiva del profesor Pedro y tras esto, nos pusimos de nuevo con Matisse. Primero tanteo sobre el cuaderno, esta vez la escena era distinta: dos figuras y una representación del espacio mas palpable que en la anterior.

Yo no sé si por el daltonismo que padezco o que uso mal el pincel, pero los resultados de los compañeros en general me han gustado, pero el mio es una pena. Al principio me propuse simplificar el dibujo al maximo, cada figura un color, y el espacio otro. La idea era pobre, maticé entonces. El matiz introdujo ideas corruptas y las figuras se ahogaron en la pintura.

Boceto a lápiz y a la derecha la pintura de acrílicos sobre papel

David López Estrada

Dibujo, análisis e ideación

1º de Fundamentos de arquitectura (Grupo A)

Semana 6: Matisse y los retratos

Esta semana nos hemos introducido en el impresionismo a través de Matisse. Sus pinturas poseen un significado muy especifico ya que rompe la iconicidad del color tal cual se conocia. Son representaciones de color muy vivas, casi puras, las que gobiernan sus cuadros, que demostraban un dominio de las luces. Matisse es un personaje que es previo al Cubismo pero que recoge muchas de las ideas propias de dicho movimiento como la de romper con la figuración tradicional y el uso de colores vivos

Para entender a Matisse, primero, realizamos un retrato de un compañero en el cuaderno de clase a base de trazados relativamente sencillos para luego trabajar sobre el papel junto al acrílico


Los resultados son los que acompañan:

David López Estrada

Dibujo, análisis e ideación

1º de Fundamentos de arquitectura (Grupo A)

Fondos generativos

Un fondo generativo nace como un gran conjunto de trazos libres sin intención ninguna que configuran un tramado o masa generadora. Superponiendo capas de trazos e intercalando diferentes grosores y colores podemos hacer creer que nuestro dibujo es un pozo o abismo del que nace todo.

Cuando se realizan fondos de una capa, los resultados carecen profundidad significativa

Al superponer trazos y colores, se crea cierto caos y una relativa sensación de profundidad. Del complejo tramado pueden nacer figuras destacadas al unir las intersecciones que se van sucediendo

Aquí se han generado figuras a través de fondos de dos capas

David López Estrada

Dibujo, análisis e ideación

1º de Fundamentos de arquitectura (Grupo A)

Semana 5: El Art Brut y el autoconocimiento

Esta semana he estado más rígido que nunca. Mi cuerpo ha estado totalmente atado al miedo o a juicios personales de tal manera que no he podido conectar con la idea que se buscaba. Salían gestos, pero eran demasiado precisos, premeditados. En mas de un momento visualizaba mentalmente, sin querer - casi inconscientemente -, el trazo que estaba a punto de salir.

El jueves hicimos autorretratos libres, primero para experimentar, y luego con cierto material en la retina. Lo primero que obtuve fue una burda caricatura sin sentimiento. Lo siguiente que salió carecía de sentido como ejercicio ya que se pedían autorretratos recuperando la libertad de ser niño de nuevo y era incapaz de practicar técnicas de ajuste, encajado y cosas de mayores

Hoy, en un primer intento, mediante carbón sobre papel blanco, el resultado se parecía a una caricatura sofisticada de algún personaje que agonizaba por morir y desaparecer

Luego, se produjo una semicreación: volvía a tener una caricatura frente a mi (que tenia aire de Picasso en el Guernica) pero introduje elementos de tanteo que resultaron interesantes pero muy mejorables. Solo había "mediocreado" algo mejorable

En un tercer momento, me cabreé y cogi el carbón con ganas. Tracé todas las rayas que quise y cuando me cansé vi una maraña asquerosa y deprimente. De esta matriz triste y sin fuerza fui sacando manchas y mas manchas al exterior y el resultado es suficiente a lo que se pedía pero en la linea de lo anterior: habia vuelto a mediocrear

David López Estrada

Dibujo, análisis e ideación

1º de Fundamentos de arquitectura (Grupo A)